Robert Redford: sus películas esenciales y el legado que dejó

Robert Redford falleció el 16 de septiembre de 2025, a los 89 años, en su casa de Utah, en las montañas próximas a Provo. Su representante, Cindi Berger, comunicó que murió mientras dormía; no se hizo pública una causa específica del fallecimiento. Actor, director y figura decisiva para el cine independiente, dejó una carrera de seis décadas que combina éxitos populares, dramas políticos y películas de una intimidad poco habitual en Hollywood.

Para acercarse a sus trabajos más representativos, un buen recorrido reúne Dos hombres y un destino, El golpe, Todos los hombres del presidente, Los tres días del cóndor, El candidato, Tal como éramos, Las aventuras de Jeremiah Johnson, El mejor, Cuando todo está perdido y Un ladrón con estilo. Su mirada como cineasta se aprecia en Gente corriente, El río de la vida, Quiz Show (El dilema) y El hombre que susurraba a los caballos. No forman un ranking definitivo: juntas explican cómo pasó del carisma de estrella a una interpretación cada vez más sobria, sin dejar de respaldar historias ajenas a las fórmulas de los grandes estudios.

La estrella que convirtió el carisma en oficio

Redford nació en 1936 y se abrió camino primero en el teatro y la televisión, antes de consolidarse en el cine durante los años sesenta. Su atractivo físico se hizo evidente pronto, pero reducir su carrera a esa imagen deja fuera lo más interesante. Podía ocupar la pantalla con una sonrisa y, al mismo tiempo, sugerir que el personaje escondía reservas, dudas o una opinión que no pensaba entregar de inmediato. La contención fue una de sus herramientas interpretativas más reconocibles: no necesitaba explicar cada emoción para hacerla visible.

En sus primeros años alternó papeles de distinto alcance y participó en títulos como La jauría humana y Descalzos por el parque. Esta última, adaptación de la obra de Neil Simon junto a Jane Fonda, contribuyó a acercarlo a un público amplio. Antes de que su carrera despegara definitivamente, Redford llegó a apartarse de Hollywood y pasó una temporada en Mijas, en España, atraído por una vida más tranquila. El regreso y el éxito de Descalzos por el parque marcaron un cambio de rumbo, aunque su relación con la fama nunca fue del todo cómoda.

Su trayectoria se asentó en una combinación poco frecuente: era una estrella reconocible, pero elegía con frecuencia relatos atravesados por conflictos morales y políticos. En vez de limitarse a ser el centro atractivo de una escena, trabajó con directores que sabían utilizar su presencia sin convertirla en el único argumento. El magnetismo no sustituyó al trabajo de interpretación; le permitió construir personajes que parecían seguros por fuera y vulnerables, calculadores o idealistas por dentro.

La complicidad irrepetible con Paul Newman

Dos hombres y un destino, dirigida por George Roy Hill en 1969, fijó una de las imágenes más duraderas de Redford. Interpretó a Sundance Kid, forajido y compañero de aventuras de Butch Cassidy, al que daba vida Paul Newman. La película conserva el pulso del western, pero también juega con el humor y con la nostalgia de dos hombres que parecen entender que el mundo alrededor está cambiando. La química entre ambos no depende de grandes declaraciones: se construye en las miradas, las bromas y la confianza con la que comparten el plano.

La pareja volvió a reunirse en El golpe, también dirigida por Hill, esta vez en una historia de estafadores y engaños cuidadosamente tramados. Redford interpreta a Johnny Hooker, un joven que aprende a moverse en un juego donde cada gesto puede ocultar otro propósito. La película exige precisión en el ritmo: si el actor revela demasiado, el engaño pierde fuerza; si se queda corto, el público deja de seguirlo. Su interpretación sostiene ese equilibrio entre ingenuidad, aplomo y picardía, y la complicidad con Newman convierte la trama en un espectáculo de inteligencia compartida.

Estos dos títulos suelen aparecer entre sus películas esenciales porque ofrecen algo más que dos interpretaciones populares. En la primera, Redford contribuye a despedir una mitología del Oeste con ligereza y melancolía; en la segunda, participa en una maquinaria narrativa que invita al espectador a observar cómo se construye una ilusión. La fama de la pareja ha hecho fácil recordarlos juntos, pero el atractivo de ambas películas también está en la forma en que cada una aprovecha la capacidad de Redford para combinar seguridad y vulnerabilidad.

Periodistas, políticos y conspiraciones

En los años setenta, Redford se convirtió en un rostro central de un cine estadounidense más preocupado por las instituciones y el poder. El candidato, dirigida por Michael Ritchie, cuenta la transformación de un abogado idealista en aspirante a un cargo político. El protagonista descubre que para competir debe aprender a hablar en el lenguaje de la campaña, incluso cuando ese lenguaje amenaza con desplazar sus convicciones. La película no presenta la política como una batalla sencilla entre buenos y malos: muestra cómo el mensaje se adapta al cálculo y cómo una victoria puede dejar a su protagonista sin una respuesta clara sobre lo que ha ganado.

En Los tres días del cóndor, de Sydney Pollack, Redford interpreta a un analista de la CIA que queda atrapado en una trama de violencia y desconfianza. Su personaje no es un héroe de acción preparado para controlar la situación; es un lector de información que debe improvisar cuando el conocimiento que maneja se vuelve peligroso. La película aprovecha su apariencia de hombre corriente dentro de un mundo extraordinario y construye tensión a partir de la sensación de que ninguna explicación está completa.

Ese registro político alcanza otra dimensión en Todos los hombres del presidente, donde encarna al periodista Bob Woodward junto a Dustin Hoffman, que interpreta a Carl Bernstein. La película sigue el trabajo de investigación que desembocó en el escándalo de Watergate, pero no convierte el periodismo en una sucesión de revelaciones espectaculares. Hay llamadas, comprobaciones, conversaciones y silencios; el avance depende de insistir y verificar. Redford adopta una interpretación deliberadamente contenida, adecuada para un reportero que debe separar lo que sabe de lo que todavía tiene que demostrar. Su sobriedad hace visible que la investigación también se construye con paciencia.

Vistas juntas, estas películas explican por qué su figura quedó ligada al cine político de la década. Sus protagonistas se acercan al poder desde lugares distintos —una campaña, una agencia de inteligencia, una redacción—, pero los tres descubren que la información puede ser una forma de influencia y también una amenaza. Redford no suele resolver esos dilemas con discursos grandilocuentes; su manera de mirar y escuchar deja que el conflicto se acumule. Esa elección ayuda a que las historias sigan hablando de la distancia entre las instituciones y las personas que intentan comprenderlas.

Del paisaje abierto al romance imposible

Las aventuras de Jeremiah Johnson, dirigida por Sydney Pollack, aparta a Redford de la ciudad y de los engranajes institucionales. Su personaje se instala en la montaña y debe aprender a sobrevivir en un entorno que no se acomoda a sus deseos. La película se apoya en el paisaje y en la resistencia física, más que en explicaciones constantes. Redford trabaja con gestos pequeños: el cansancio, la observación y la cautela adquieren tanto peso como los diálogos. El resultado ofrece una versión menos urbana y más áspera de su presencia en pantalla.

Pollack también lo dirigió en Tal como éramos, junto a Barbra Streisand, una historia de amor atravesada por diferencias políticas y temperamentales. La relación de los protagonistas no se presenta como un refugio capaz de borrar sus desacuerdos. Se quieren, pero cada uno entiende el compromiso y la vida pública de manera distinta. Redford construye a un hombre encantador que no siempre está dispuesto a enfrentarse a las consecuencias de sus decisiones; Streisand aporta una energía que impide que la película convierta el conflicto en una simple postal romántica. La química funciona precisamente porque no elimina la incompatibilidad.

En Memorias de África, dirigida por Sydney Pollack y protagonizada también por Meryl Streep, su presencia vuelve a situarse entre el romance y la resistencia a cualquier idealización fácil. La película dio a Redford otro papel emblemático, pero no es la única vía para apreciar su registro sentimental. En El gran Gatsby, adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald, encarnó a Jay Gatsby, un hombre que intenta sostener una identidad construida alrededor de un pasado idealizado. En ambos casos, el encanto exterior convive con una distancia emocional que hace más complejos a los personajes.

También merece un lugar El mejor, drama deportivo en el que interpreta a un jugador de béisbol cuya carrera está marcada por la promesa de una segunda oportunidad. La película recurre al mito del talento capaz de desafiar el destino, pero Redford le aporta una gravedad adulta: no presenta el éxito como algo automático ni la juventud como una condición que pueda recuperarse sin coste. El romanticismo de la historia nace de sus límites, de la conciencia de que el tiempo altera tanto a los cuerpos como a las aspiraciones.

Cuando el silencio ocupa el primer plano

La carrera de Redford no quedó detenida en los papeles que lo hicieron famoso en los setenta. En Cuando todo está perdido, dirigida por J. C. Chandor, interpreta a un hombre solo en un velero que afronta una sucesión de dificultades en el mar. La película reduce al mínimo el diálogo y concentra la atención en el cuerpo: las manos que trabajan, la respiración, el agotamiento y las decisiones tomadas bajo presión. Para un actor cuyo rostro había sido durante años parte central de su atractivo, renunciar a la conversación como soporte fue una apuesta expresiva significativa.

La película no necesita convertir cada contratiempo en una explicación. El espectador observa cómo el personaje responde a lo que tiene delante, con recursos limitados y sin garantía de que sus esfuerzos vayan a bastar. Redford sostiene la narración mediante la presencia física, sin apoyarse en la réplica ingeniosa ni en una confesión que ordene lo ocurrido. Ese trabajo tardío dialoga con la austeridad de Las aventuras de Jeremiah Johnson, aunque aquí el aislamiento no está en una montaña, sino en un espacio de agua que parece extenderse en todas direcciones.

Un ladrón con estilo, dirigida por David Lowery y estrenada en 2018, ofreció otra despedida, esta vez más ligera. Redford interpreta a un ladrón veterano que continúa haciendo aquello que conoce, con una mezcla de picardía y calma. La película no necesita fingir que el personaje es ajeno al paso del tiempo: juega con la memoria del actor y con la elegancia que había acompañado a su imagen durante décadas. El encanto de su última gran interpretación cinematográfica está en la naturalidad, en la sensación de que el personaje puede seguir adelante sin tener que justificar cada paso.

Redford anunció en 2018 que se retiraba de la interpretación, y Un ladrón con estilo fue presentada como su último papel protagonista. Después apareció en Vengadores: Endgame, de 2019, en una intervención breve que retomaba al personaje de Alexander Pierce. Esa presencia no invalida el sentido de despedida de la película de Lowery: son trabajos de escala y propósito distintos. Su última etapa muestra a un actor capaz de dejar espacio al silencio y a la memoria, sin convertirlos en un gesto solemne.

La otra carrera: dirigir sin levantar la voz

Redford también desarrolló una trayectoria destacada detrás de la cámara. Su debut como director fue Gente corriente, estrenada en 1980, un drama familiar sobre el dolor que sigue a un accidente y la dificultad de hablar de lo que ha ocurrido. La película evita presentar el sufrimiento como un espectáculo. Se fija en la vida doméstica, en los silencios entre padres e hijo y en la manera en que cada personaje intenta conservar una apariencia de normalidad. Redford ganó el Oscar a la mejor dirección por este trabajo, que además obtuvo el premio a la mejor película. Su primera película como director reveló una mirada paciente y atenta a los actores.

En El río de la vida, Redford volvió a explorar los vínculos familiares, esta vez a través de dos hermanos y de los recuerdos de una infancia en Montana. El paisaje no funciona como simple decoración: acompaña la distancia entre los personajes y la memoria de quien cuenta la historia. La pesca con mosca, las aguas y el paso del tiempo componen una película de ritmo sereno, en la que la naturaleza parece guardar aquello que los personajes no consiguen decir. La aparición de Brad Pitt contribuyó a dar a conocer a un actor que más tarde alcanzaría gran notoriedad, pero el centro de la obra está en la relación entre el recuerdo y la pérdida.

Quiz Show (El dilema) llevó su interés por la verdad y el espectáculo a la televisión de los años cincuenta. A partir de un escándalo relacionado con concursos televisivos, Redford construyó una historia sobre la manipulación, la ambición y la facilidad con la que una audiencia puede confundir entretenimiento con autenticidad. La película no sermonea: deja que las decisiones de sus personajes muestren cómo se deteriora la confianza. Su trabajo como director fue reconocido con una nominación al Oscar, tanto por la dirección como por la película.

En El hombre que susurraba a los caballos, Redford se puso también delante de la cámara. El relato aborda el trauma y la recuperación a través de una joven herida en un accidente, su familia y el vínculo con un caballo. El tono amplio y contemplativo prolonga su interés por la relación entre las personas y el entorno natural. Aunque sus películas como director recorren historias distintas, comparten una inclinación por los conflictos morales, la intimidad y los personajes que no encuentran respuestas inmediatas. Su estilo prefería la claridad y la observación a la ostentación formal.

Sundance, una puerta para otras voces

El legado de Redford no se limita a las películas que protagonizó o dirigió. Su mayor aportación a la industria pudo ser la creación de una estructura para que cineastas con proyectos personales encontraran apoyo y público. El Instituto Sundance y el festival asociado se convirtieron en una plataforma de desarrollo y exhibición para el cine independiente estadounidense. En un sector donde los grandes estudios suelen decidir qué historias llegan a las pantallas, esa apuesta abrió espacio a producciones de menor escala y a voces que no siempre encajaban en los modelos comerciales dominantes.

La importancia de esa iniciativa no consiste en que todas las películas vinculadas a Sundance compartan un estilo. Más bien, ofreció un lugar para que obras muy diferentes pudieran desarrollarse, encontrarse con distribuidores y alcanzar espectadores. El festival ayudó a consolidar la idea de que el cine independiente podía ser personal sin quedar aislado, y que una historia de presupuesto contenido también podía tener impacto cultural. Redford puso su prestigio al servicio de una comunidad de cineastas, en vez de reservarlo únicamente para sus propios proyectos.

Ese compromiso completa la imagen de una figura que conoció desde dentro el atractivo y las limitaciones de Hollywood. Fue una estrella capaz de participar en grandes éxitos, pero también un productor y promotor interesado en crear alternativas. Su defensa del medio ambiente y su implicación en causas públicas acompañaron esa forma de entender la cultura como algo más amplio que la carrera individual. La huella de Sundance explica por qué su influencia continúa más allá de su filmografía: ayudó a cambiar qué proyectos podían abrirse paso y quiénes tenían la oportunidad de contarlos.

Un legado que se entiende al volver a sus películas

La selección de títulos esenciales cambia según se valore la interpretación, la dirección o la huella cultural. Quien busque el Redford más divertido puede empezar por El golpe; para descubrir al protagonista de thrillers políticos, resultan centrales Los tres días del cóndor y Todos los hombres del presidente. Dos hombres y un destino permite observar el nacimiento de su alianza con Newman, mientras que Gente corriente revela una sensibilidad distinta, más interesada en lo que una familia no logra decir. No hay una única puerta de entrada porque su carrera cambió de registro sin renunciar a una identidad reconocible.

En conjunto, esas obras dibujan una línea que va del héroe romántico al periodista meticuloso, del hombre aislado en un paisaje difícil al personaje que acepta el peso de los años. Redford no fue un actor de transformaciones radicales en cada papel; su diferencia estaba en la selección de proyectos, el control del ritmo y la precisión de los gestos. Su elegancia en pantalla no era solo una cuestión de apariencia: también estaba en cómo evitaba subrayar lo que el espectador ya podía percibir.

Su muerte cierra una vida, pero no el recorrido de una obra que sigue planteando preguntas sobre la verdad, el poder, la familia y la libertad creativa. Las películas más conocidas conservan su fuerza narrativa; las dirigidas por él muestran una mirada propia; y Sundance prolonga una apuesta por el cine que no siempre encuentra sitio en el centro de la industria. Ese conjunto, más que una sola interpretación, explica la dimensión de su legado: Redford fue una estrella de Hollywood y, al mismo tiempo, alguien que trabajó para ensanchar sus límites.