Woody Allen cumple 90 años: por qué sigue marcando el cine

Woody Allen cumple 90: legado, polémicas y cine vigente. De Annie Hall a Golpe de suerte, premios, huella y etapa europea con España en foco.

Cumple 90 años y su nombre continúa en el centro de la conversación cultural. La explicación es sencilla y, a la vez, compleja: su filmografía cambió la manera de retratar la neurosis urbana, el amor contradictorio y la culpa con humor seco y mirada moral. Hay cineastas que triunfan por una película; otros por una década. Woody Allen, nacido Allan Stewart Konigsberg en Brooklyn en 1935, ha sostenido más de medio siglo de historias que, con altibajos, marcaron un idioma propio. Sigue activo —rodó en francés Golpe de suerte en 2023— y mantiene una rutina creativa reconocible: escribir, preparar, rodar rápido, montar con fidelidad a su equipo y dejar que la música de jazz respire en el metraje. El aniversario invita a ajustar datos y memoria, pero también a medir un legado que no se evapora por costumbre.

El dato biográfico tiene una peculiaridad que cada tanto vuelve a los titulares: los documentos sitúan su nacimiento el 1 de diciembre de 1935; él ha contado que nació la noche del 30 de noviembre. La efeméride se reparte entre dos días y dos titulares posibles, aunque el resultado es el mismo: 90 años cumplidos y un director que, después de reinventarse varias veces, conserva una marca de autor reconocible. En lo cinematográfico, el rastro salta a la vista: Annie Hall y Manhattan redefinieron la comedia romántica adulta en los setenta; Hannah and Her Sisters y Crimes and Misdemeanors fijaron su mirada ética en los ochenta; Match Point y Blue Jasmine confirmaron en el siglo XXI que su diálogo con la culpa, la ambición y el azar aún tenía filo.

Fecha y cifra: un 90 con dos calendarios y la misma historia

Conviene ordenar la cronología antes de seguir. Allen creció en Brooklyn, hijo de una contable y de un grabador de joyas. Adolescente precoz, vendía chistes a columnistas de prensa; a los 17 ya firmaba como Woody Allen. En los cincuenta escribió para la televisión estadounidense, en la estela de los grandes programas de comedia en directo, y a comienzos de los sesenta se lanzó al stand-up con un personaje propio: el antihéroe neurótico, ingenioso, un punto ensimismado y con una puntería particular para radiografiar relaciones sentimentales. Ese tono, ya moldeado, viajó al cine a partir de la segunda mitad de los sesenta.

Su debut como director de ficción con material propio fue “Toma el dinero y corre” (1969), falsa crónica criminal con ritmo de gag y gusto por lo absurdo. Llegaron Bananas (1971), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo (1972), El dormilón (1973) y La última noche de Boris Grushenko (1975). Aquellas comedias, más físicas y alocadas, desembocaron en el giro que lo hizo canónico: “Annie Hall” (1977), historia de una pareja contada con flashbacks traviesos, ruptura de la cuarta pared y un oído finísimo para la conversación. Ganó cuatro Óscar —película, director, guion y actriz— y cambió la escala del mito. Dos años después, “Manhattan” (1979) comprimió deseo, amistad y desencanto sobre una ciudad fotografiada en blanco y negro, con Gershwin como respiración.

Del monólogo al canon: hitos que explican su obra

El segundo gran bloque de su carrera se asienta en los ochenta. Stardust Memories (1980) ensayó un juego autorreferencial; Zelig (1983) fue un falso documental ambicioso; Broadway Danny Rose (1984), una carta de amor a perdedores entrañables. “Hannah and Her Sisters” (1986) cruza dos Thanksgivings y una red de relaciones con una precisión que hoy se estudia como manual de estructura. “Crimes and Misdemeanors” (1989), quizá su obra más abiertamente moral, confronta el crimen impune y la banalidad del mal sin perder ligereza. En los noventa, Delitos y faltas hace palanca sobre el resto: Alice (1990), Balas sobre Broadway (1994), Poderosa Afrodita (1995) y Desmontando a Harry (1997) alternan ironía y amargura con actores en estado de gracia.

El siglo XXI trajo un quiebro que también es síntoma de supervivencia. Londres le dio “Match Point” (2005), su thriller más afilado: un joven ambicioso escala social entre raquetas de tenis, deseo y culpa. Allí también rodó Scoop (2006) y Cassandra’s Dream (2007). Barcelona y Oviedo alojaron “Vicky Cristina Barcelona” (2008), con Penélope Cruz, Javier Bardem, Scarlett Johansson y Rebecca Hall; Cruz ganó el Óscar a mejor actriz de reparto por una interpretación volcánica. París fue escenario de “Midnight in Paris” (2011), viaje nostálgico con humor de época y un guion que devolvió a Allen al podio. Roma, San Francisco, Los Ángeles y Nueva York completaron una década prolífica: Blue Jasmine (2013) regaló a Cate Blanchett uno de sus papeles más celebrados, Café Society (2016) se deslizó por el Hollywood clásico, Wonder Wheel (2017) abrazó el melodrama cromático, A Rainy Day in New York (2019) volvió al romanticismo juvenil con la cadencia de la comedia de modales.

En los últimos años, su brújula miró de nuevo a Europa. “Rifkin’s Festival” (2020) se rodó en San Sebastián y se estrenó en el propio festival donostiarra, en un juego autorreferencial de ciudad y certamen. “Golpe de suerte” (2023) —título español de Coup de chance— supuso su primera película rodada en francés y recuperó la veta de “Match Point”: azar, adulterio, clase, crimen y un destino que aprieta sin subrayado.

Tres llaves de lectura que ayudan a no perderse

Primera: la mezcla entre humor y abismo. Allen convirtió la carcajada en espejo y el remate del chiste en una pregunta moral. Segunda: la dirección de actores. De Diane Keaton a Mia Farrow, de Judy Davis a Scarlett Johansson, de Penélope Cruz a Cate Blanchett o Javier Bardem, su cine es una escuela de interpretación naturalista, en primer plano y con diálogo que parece improvisado y no lo es. Tercera: la música. Jazz clásico —Ellington, Armstrong, Porter, Gershwin— como línea de bajo emocional y a veces como ironía narrativa. Todo ello sostenido sobre un método de trabajo rápido y económico, heredero de una tradición de autor que escribe y se filma a sí mismo sin trompetería industrial.

Nueva York, Europa y España: mapa de una supervivencia

Nueva York fue durante décadas el hogar visual y sentimental de su cine. Manhattan no es solo una localización; es un personaje con ritmo, humedades y una luz que se persigue. Pero a medida que el mercado estadounidense se estrechó para su propuesta —comedias y dramas adultos sin vocación de blockbuster—, su mapa de rodaje se desplazó. Londres le permitió reajustar la mirada; París le regaló la noche como fantasía; Roma sirvió de postal de equívocos; Barcelona y San Sebastián se convirtieron en socios. Esa deriva europea, más allá de la financiación, fue también una mudanza estética: otras calles, otros acentos, otros ritmos de conversación.

España aparece en su trayectoria no como anécdota, sino como capítulo propio. Vicky Cristina Barcelona encendió una conversación turística y cinéfila sobre una ciudad representada con colores cálidos, guitarras y un relato de triángulos y libertades. Rifkin’s Festival es una carta de amor (y parodia suave) al Festival de San Sebastián, a su atmósfera y a esa idea de cine que convive con el paseo marítimo del Kursaal. En paralelo, la relación con el talento español ha sido fluida: Penélope Cruz firmó uno de sus trabajos más aplaudidos, Javier Bardem demostró su elasticidad cómica, Elsa Pataky, Pablo Schreiber y Sergi López han pasado por su universo, y los equipos técnicos locales han ganado presencia en sus rodajes europeos.

La Europa de Allen no es solo un refugio industrial. Es una apuesta que diversifica escenarios, resitúa conflictos y modula la sátira. En Golpe de suerte, el francés no es ornamento: da a los diálogos un filo que la versión doblada en inglés habría aplanado. Y cuando viaja a San Sebastián, el humor sobre el cine de autor y el turismo cultural se cuece en un lugar concreto, con sus farolas, su lluvia fina, sus lunes de septiembre y ese mar que siempre sale bien en cámara.

Premios, récords y la anomalía de los Óscar

Allen es un caso peculiar en la liturgia de los premios. Acumula cuatro Óscar y ostenta el récord de nominaciones al premio de guion original (dieciséis). Ganó mejor dirección por Annie Hall (1977) y mejor guion por Annie Hall (1977), Hannah and Her Sisters (1986) y Midnight in Paris (2011). En los BAFTA y los Globos de Oro su nombre ha sido también frecuente. Sin embargo, rara vez ha pisado la gala: su ausencia se convirtió en un gesto de personaje público, con la excepción célebre de 2002, cuando, tras los atentados del 11-S, apareció en el escenario para celebrar a Nueva York como ciudad de cine. Ese equilibro —estar en el palmarés sin estar en la foto— acompaña su leyenda y su relación distante con la industria del espectáculo.

Los números ayudan a dimensionar el fenómeno, pero no sustituyen la conversación estética. El reconocimiento se sostiene en películas que han influido a dos generaciones de guionistas y directores. Se reconoce en series que mezclan neurosis y sátira moral, en comedias románticas que buscan sofisticación sin renunciar a la duda, en dramas que usan el humor como escalpelo antes de atacar la herida. El impacto, medible o no, sigue ahí: modelo de comedia adulta, estructura coral bien afinada, voz de autor capaz de recorrer décadas con temas recurrentes y variaciones formales.

Sombras, procesos y un debate público que no se apaga

El artículo quedaría incompleto si no incorpora el contexto que condiciona desde hace tres décadas la recepción de su obra. En 1992 se hizo pública su relación con Soon-Yi Previn, hija adoptiva de Mia Farrow y del músico André Previn. El escándalo atravesó su vida privada y su imagen pública; Allen y Soon-Yi se casaron en 1997 y formaron una familia con dos hijas adoptadas. El episodio dividió a la opinión pública y marcó un antes y un después en su biografía pública.

El mismo año afloraron las acusaciones de abuso por parte de Dylan Farrow, que Allen ha negado de manera constante. Hubo investigaciones en los noventa que no derivaron en cargos, un juicio de custodia en 1993 que retiró a Allen la custodia pero no desembocó en condena penal y, décadas después, una reactivación del debate con nuevos relatos y documentales. El #MeToo reordenó el mapa emocional de la industria y dio pie a decisiones corporativas: acuerdos que se rompieron, estrenos limitados, boicots, lecturas morales que acompañan cada nueva película. La polémica no se ha desactivado y, guste o no, forma parte de la noticia cada vez que su nombre vuelve a un cartel.

Ese marco tuvo consecuencias concretas. En Estados Unidos, la exhibición de algunos de sus últimos títulos fue irregular; en Europa, por el contrario, encontró continuidad y público. Festivales como Venecia y San Sebastián mantuvieron su puerta abierta y la prensa especializada debatió —a menudo con dureza— dónde fijar la frontera entre biografía, ética y valoración estética. El resultado práctico es visible: Allen ha rodado con financiación europea en la última década, ha promovido estrenos internacionales desde allí y ha sido más presente en circuitos culturales del continente que en el mercado comercial estadounidense.

Método Allen: guion, equipos y una rutina que resiste

Hay directores reconocibles por un plano; otros, por la arquitectura del guion. Allen habita ambos territorios. Su ritmo de escritura —madrugar, teclear páginas cada día— vertebra un cine de 85 a 100 minutos que prefiere la economía a la grandilocuencia. En el rodaje, los equipos técnicos han sido una prolongación de ese método. El montaje consolidó su pulso con Ralph Rosenblum primero y durante muchos años con Susan E. Morse; desde finales de los noventa, la editora Alisa Lepselter se convirtió en una presencia constante. En la fotografía, nombres como Gordon Willis (la elegancia sombría de Manhattan y Stardust Memories), Carlo Di Palma (el color y la textura mediterránea en Hannah and Her Sisters, La rosa púrpura de El Cairo) y Vittorio Storaro (el cromatismo clásico de Café Society, Wonder Wheel, Rifkin’s Festival) han moldeado el aspecto de sus relatos.

La dirección de actores es un capítulo aparte. Allen rara vez improvisa escenas enteras, pero busca ese naturalismo nervioso que hace creer que todo ocurre sin corsé. Diane Keaton personificó un molde de libertad luminosa; Mia Farrow encarnó fragilidades y fortaleza en etapas decisivas; Judy Davis aportó una ironía feroz; Scarlett Johansson revitalizó la electricidad sensual de su cine europeo; Cate Blanchett firmó en “Blue Jasmine” un tour de force sobre la impostura y la caída; Penélope Cruz se comió la pantalla con un personaje desbordado de pasión y contradicción; Javier Bardem moduló su carisma en registro de triángulo sentimental. Esa lista podría seguir: Michael Caine, Alan Alda, Alec Baldwin, Emma Stone, Kristen Stewart, Owen Wilson, Rebecca Hall, Chiwetel Ejiofor, Naomi Watts, Juliette Lewis, Peter Sarsgaard. Lo compartido: personajes que dicen mucho, dudan más y exponen su fragilidad con humor o torpeza.

El jazz es otra firma. Allen ha tocado el clarinete en bandas de estilo Nueva Orleans y durante años sostuvo el ritual de los lunes en el Hotel Carlyle de Manhattan. Esa música —ligera en apariencia, melancólica en el poso— dialoga con su cine. No es raro que una escena clave se apoye en Ellington, que un paseo nocturno convoque a Gershwin o que una ruptura sea menos trágica porque una trompeta de Armstrong permite respirar al espectador. La coherencia musical crea memoria: quien regresa a su cine escucha antes de recordar el plano.

En el frente editorial, Allen publicó colecciones de relatos humorísticos y en 2020 lanzó sus memorias, “A propósito de nada”, título que sintetiza su manera de avanzar: sin proclamas teóricas, con insistencia de artesano y una voz que se reconoce aunque cambien de idioma y ciudad.

Madrid, San Sebastián y Venecia: un triángulo que sigue activo

El vínculo con España no se agota en el reparto o en los premios. Tiene ciudades y fechas. En 2008, Vicky Cristina Barcelona desató un fenómeno: la postal mediterránea, la conversación sobre estereotipos y la química arrolladora de Cruz y Bardem. En 2020, Rifkin’s Festival eligió San Sebastián como espejo amable y, de paso, subrayó el papel de los festivales como refugio para el cine de autor en tiempos de plataformas. En 2023, Venecia sirvió de trampolín para Golpe de suerte, que el público español pudo ver a partir del 29 de septiembre. La relación, más allá de gustos, traza un itinerario: Allen rueda en Europa, las películas se estrenan en grandes certámenes y España figura entre sus plazas de confianza.

Ese triángulo tiene una lectura industrial: técnicos locales en posiciones relevantes, retornos turísticos medibles cuando una película captura la imaginación colectiva y presencia de una marca de autor que, con 90 años, continúa generando conversación mediática. También tiene una lectura cultural: durante una década de homogeneización audiovisual, Allen siguió entregando películas de escala media, con actores de primera línea y una duración contenida, algo que el público español ha acompañado con fidelidad variable, pero sostenida.

Qué queda y por qué sigue contando

A esta altura, el resumen exige precisión. Queda un cineasta que, con 90 años, conserva una filmografía capaz de sostener debate estético sin necesidad de nostalgia; un autor discutido en lo moral, sí, y también influyente en lo formal; un trabajador de método que adelantó un modelo —una película al año, guion propio, equipos fieles— que hoy parece de otra época, pero que sigue alumbrando anécdotas y estilos. Queda una ciudad —Nueva York— convertida en lenguaje; quedan ciudades europeas que le devolvieron impulso creativo; quedan actores que firmaron con él algunos de sus papeles más recordados; queda música como memoria emocional; quedan frases que el público cita sin pensar de qué película vienen.

La pregunta de fondo —por qué sigue importando— admite una respuesta concreta: porque su manera de contar relaciones continúa siendo útil para entender cómo nos justificamos, deseamos, nos mentimos y cambiamos de idea a mitad de párrafo. Porque el humor que atraviesa sus historias no disimula los dilemas; los expone en voz baja. Porque la culpa en su cine no es retórica: actúa, mueve fichas, decide partidas. Y porque, cuando la repetición se insinúa, aparece un viraje —Match Point, Blue Jasmine, Golpe de suerte— que vuelve a encender el motor.

Noventa años y obra en presente

El aniversario no clausura nada; ayuda a ubicar piezas. Woody Allen cumple 90 entre dos fechas de calendario y una filmografía que todavía respira. La noticia de hoy —el cumpleaños— enlaza con hechos verificables: una trayectoria con cuatro Óscar y dieciséis nominaciones al guion original, una relación tensa con la opinión pública a partir de los noventa, una ruta europea que le ha permitido seguir filmando, una conexión española que ya no suena a exotismo, y un método de trabajo —guion, actores, montaje, jazz— que aún sostiene películas de medio tamaño en un mercado que casi las ha olvidado. No es un mito inmune ni un autor anacrónico: es un director vivo con historia detrás y, mientras mantenga ese pulso, historias por delante.

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Este artículo se ha elaborado con información contrastada y vigente. Fuentes consultadas: El País, La Vanguardia, San Sebastián Film Festival, La Biennale di Venezia, Academy of Motion Picture Arts & Sciences, 20minutos.